sábado, mayo 26, 2012

Vistazo Crítico 105: ESTRATEGIA COMERCIAL DE ARCADIA PUBLICITA TEXTO TENDENCIOSO CONTRA ORLAN.



ESTRATEGIA COMERCIAL DE ARCADIA PUBLICITA 
TEXTO TENDENCIOSO CONTRA ORLAN.

La Revista ARCADIA, como buena parte de los medios de masa informativos, enterados de la llegada de ORLAN a Colombia, realizan una estrategia comercial (propia de estos medios), para publicitar un texto mal escrito y tendencioso de Carlos Granés, lleno de lugares comunes y sin mayor conocimiento de la obra de esta artista francesa considerada por la crítica de arte internacional como una de las cien más importantes del siglo XX. La revista insiste que en algunos lugares de distribución como Carrefour y Panamericana, le vetaron la última edición. Sin embargo yo ayer compré un ejemplar de la revista en Carulla, donde al parecer a nadie, le molestó la teta al aire que exhibe la artista en su obra “El drapeado-El Barroco #2” (1983). Qué buena estrategia comercial señores de ARCADIA ¡Bravo¡. Sin duda  venderán muchos ejemplares.
Pero volviendo al texto de Granés, que es lo que me interesa, titulado “La última experiencia pornográfica”, hay tantas imprecisiones en su texto como aquella cuando afirma que la artista fue “rebautizada como Orlan a los quince años”. Si el autor se hubiese tomado la molestia de leer algunas de las cientos de entrevistas que la artista ha concedido a personajes como Pierre Restany, Paul Virilio y Nicolas Bourriaud por no citar sino tres personajes importantes de la escena artística internacional, sabría de sobra el origen del nombre de la artista francesa que entre otras se escribe en mayúsculas.
Otra de las imprecisiones tomada sin duda de las revistas people tipo ARCADIA, afirma que “una vez se operó la boca para parecerse a la Europa de François Boucher; en otra ocasión se abrió el mentón para quedar como la Venus de Boticelli; y luego se puso unos turupes en la frente para parecerse a la Mona Lisa de Leonardo.” Esto es absolutamente falso, pues la artista precisamente critica los modelos de belleza que han marcado la historia del arte y los impuestos por la sociedad de consumo. Basta con leer a la artista para darse cuenta de ello.
De otra parte, Granés parece haberse quedado en los años noventa de la producción de la artista, quien desde entonces ha estado muy activa y trabajando intensamente como por ejemplo en su obra más reciente « El Manto del Arlequín » donde la artista trabaja en colaboración con un grupo de artistas australianos del grupo SymbioticA y un teórico del  biotech art Jens Hauser. En esta obra fragmentos de su piel y de sus células han sido puestas en cultivo en un laboratorio especializado de  la Universidad de Perth. Esta obra podrá verse en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, en el Museo de Antioquia y en un evento académico en la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital la próxima semana.
Lo único que rescato del texto de Granél es le concepto de pronógrafo; pero no en el sentido en que él lo utiliza sino en el sentido esencial en que la teoría crítica como la de Gilles Deleuze lo conceptualiza, para referirse a Pierre Klossowski y a Sade, quienes hacen parte de esa ilustre estirpe de pronógrafos donde están incluidos George Bataille, Maurice Blanchot, Pierre Paolo Pasolini entre otros. En este sentido, ORLAN sí es una verdadera pornógrafa.
Resta invitarlos al encuentro con la artista el próximo miércoles 30 de mayo en el auditorio Rogelio Salmona del Centro Cultural Gabriel García Marquez en Bogotá, en Cartagena el lunes 4 de mayo y en Medellin el 7 de junio. De tales encuentros con la artista y con su obra (que se expone por primera vez en Colombia y en América Latina en su conjunto), se espera que el mundo del arte local y el público en general puedan conocer una de las obras más trascendentes de esta época. 

Ricardo Arcos-Palma.
Curador de la obra de ORLAN para América Latina.
Bogotá 26 de mayo del 2012.

viernes, mayo 25, 2012

SOPHIE CALLE: Historias de Pared.



El siguiente texto fue publicado en la Revista Art Nexus. Imagen cortesía del MAMM.
Exhibition 

Historias de pared 

Sophie Calle 

Issue #85 Jun - Aug 2012

Art Nexus

Colombia, Medellín
Institution:
Museo de Arte Moderno MAMM (Medellín)

Ricardo Arcos-Palma 

This exhibition is a unified narrative about invisibility, about romantic feelings, about the idea of seducing a collector-father, where the white, empty gallery wall poses a veritable challenge, the absence of a dead mother.



Sophie Calle’s exhibition Historias de pared opened in Medellín last March 21st; it will be on view in Bogotá, at the Museo del Banco de la República, starting in June. This show achieves the materialization of reality, intimacy, and fiction, combined into a visual narrative technically supported by photography and video. In this way, and following closely the precepts established by Allan Kaprow—who in the late 1950s insisted that art and life must connect and interrelate fluidly—Sophie Calle turns her own life into a pre-text for the work of art. Contemporary art, as we well know, has one essential virtue: to bring art closer to life, and vice-versa. Calle does this masterfully. This show is articulated around four works dated from the mid-1980s to 2011.

Los ciegos(1986). What is beauty for you? Calle asks a person who was born blind, and the answer is: “the sea fading from view.” This highly poetic sentence was the trigger for the artist to create an entire series about the blind. Blindness has been represented repeatedly by artists throughout history, for example Pieter Brueghel. In this case, Calle decided to interview a number of blind people (born sightless or left in that condition later in life) about beauty; each of them offers a definition or an idea of what they understand as beautiful. Alongside their answer, framed, Calle places a photograph of the respondent, and a second image that accounts for the answer itself. In this way, the image that is a memory or a sensation for those who can’t see, connects with the text and the face of the person. For example, next to one of the portraits we encounter this answer: “For me, the most beautiful thing is a painting. My brother in LA told me: ‘it’s a boat, I’ll give it to you if you want it’. I have never owned a painting. It has a slight relief. I can feel three masts and a large sail. I touch it often in the afternoon. On Wednesdays there is a TV show about the ocean, I listen to it and look at the painting. The ocean must also be very beautiful. I have been told that it is blue, green, and that it gleams under the sun, hurting the eyes. It must be painful to look at the ocean.” Right under this framed text there is, on a shelf, the painting being referred to.

Dolor exquisito (1984-2003). This installation, arranged in a room to form a line, emerged from a trip the artist took to Japan. During her trip, she received a letter from her romantic partner cutting off the relationship. Right then and there, the artist decided to exorcise the bitter moment through a private journal where photography and text are again the protagonists. The presence of objects, everyday scenes, photographs, closed and sealed envelopes, become elements in a staging of tragic love where pain plays a key role. Added to this story are other tales of woe, after the artist decided to ask her friends: “what has been your greatest suffering?” Dolor exquisito is a radiography of love, with suffering as the leitmotiv in any romantic relationship.

No sex last night (1992), 75:58 min. A film made in collaboration with Gregory Shephard. The stage where the story takes place is a Cadillac: Shephard and Calle film each other as their thoughts commingle promiscuously with the images. It is a story of love in the United States, where the journey towards a happy ending (a Las Vegas wedding) intertwines with the disappointment caused by the lack of sex. Motels, highways, the constantly malfunctioning car, a disconsolate yet necessary romance, and ultimately the divorce a few months later, portray the drama of a couple in a consumerist society where automobiles seem to be the most important thing. A film filled with humor and irony, which revisits and insists on the topic of impossible love. “I wanted not only to connect with art but to connect with life,” Calle says, adding that “I wanted to live with him, to marry him… but at the same time it is not my life; it is a movie.” Life and fiction become essential elements in this work of art.

Ver el mar (2011). To see the sea. In French, this sentence has the dual connotation of seeing the mother, given the phonetic similarity between la mer and la Mère. In Istanbul, called “the city of the blind,”Calle found a news item in a local paper that told about an entire population where no one had seen the ocean. This news item quickly became the starting point for the development of the series, where the artist contacted a number of people and films them as they see the ocean for the first time. When the characters turn around, we see a variety of expressions, some filled with joy some with sadness. Children, women and men, are able to wordlessly speak with their faces and communicate great emotions as they contemplate the sea for the first time in their lives.

This exhibition is a unified narrative about invisibility, about romantic feelings, about the idea of seducing a collector-father, where the white, empty gallery wall poses a veritable challenge, the absence of a dead mother or, in Sophie Calle’s own words, “more than in showing invisibility, I am interested in absence… of a loved one, of a painting in a museum.” Historias de pared is, then, a tale of absence.

http://www.artnexus.com/Notice_View.aspx?DocumentID=24739

Entrevista a Sophie Calle en Vistazos Críticos:



domingo, mayo 06, 2012

Vistazo Crítico 104: ARTE & JUSTICIA: de censuras, juicios y otras querellas.



ARTE & JUSTICIA: de censuras, juicios y otras querellas.

  La mediación o intromisión para algunos, de la justicia en asuntos del arte y la literatura no es nada nuevo. Desde el célebre juicio de aquél (Baudelaire) que dedicara sus “flores enfermizas” a un hipócrita lector, hasta cientos de exposiciones de arte censuradas porque alguien decide que la justicia intervenga, como cuando la exposición Bodies fue prohibida por la Justicia en Francia, por considerarse que se estaba comercializando con la muerte.

 En nuestro medio el colombiano, la justicia ha mediado en varios momentos “censurando” exposiciones de arte. Esto nos hace pensar que el juez, no solamente puede emitir sentencias sino también juicios estéticos, al menos esto último sería oportuno pero no sucede así. Por lo tanto, el juez es un especie de "crítico de arte" que termina, apoyado en asuntos legales, dictaminando la pertinencia de una determinada obra de arte, o decidiendo si esto es arte o no y si se merece ser mostrado o no, como lo haría un curador especializado. La similitud entre el juez, el crítico y el curador es interesante a tener en cuenta en este vistazo crítico.

  Recuerdo el famoso y fallido performance Tania Bruguera presentado en la encuentro organizado por el Instituto Hemisférico, donde la artista cubana decidió distribuir cocaína como parte de su acción plástica. En ese momento yo era Director del Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia. Y por un acto de desinformación total publicado en el periódico El Tiempo, días después a la acción, yo terminé siendo implicado en un evento donde no tenía la más mínima participación. Recuerdo las llamadas de anti-narcóticos, de la policía, entre otros asuntos apoyándome para que diera declaratorias e interpusiera una demanda y por otro lado las directivas de la universidad, apoyadas en el silencio de los responsables del asunto, pidiendo mi cabeza porque ellos dentro de su ignorancia pensaban que yo había organizado el evento. Mi insistencia entonces era que la justicia no interfiriera en asuntos del arte y este evento que asustó tanto a los curadores del evento como a la misma artista no pasó a mayores y el mundo del arte, por fortuna, salió impune de este affaire.

  Otro affaire donde la justicia media en asuntos del arte fue el famoso caso Goya. Uno de los grabados de la exposición fue hurtado de la manera más inusual y encontrado enmarcado y todo en un hotel de mala muerte en el centro de la ciudad. Qué más que ser un robo de profesionales, tenía todas la señas de ser una fallida acción plástica, muy mal pensada por cierto.  Algunas reacciones de protagonistas del arte local, pocos días después del robo, se tornó en broma y chiste de mal gusto, cuando estos terminaron de una u otra manera implicados y rindiendo declaratorias en la Fiscalía. En este caso el mundo del arte no logró salirse con las suyas, una buena reprimenda de la justicia, como un par de nalgadas a niño necio, les recordó que en asuntos serios no se puede “mamar gallo”, tomar del perlo o hacer chistes flojos, pues terminaría implicados en un robo que no cometieron.

  El caso de la reciente “censura”, de la obra Blanco Porcelana de Margarita Ariza, nos recuerda que la justicia media cuando estima conveniente y sobre todo si un ciudadano interviene interponiendo demandas. Conozco la obra de Margarita Ariza. Hablé con ella sobre este asunto. El asunto es más complejo de lo que parece. Sabemos que en Colombia, un país con rezagos coloniales en sus prácticas culturales y políticas, el racismo es aún muy fuerte. Y desde ahí uno se torna hacia la artista y se solidariza con ella. Pero más allá de la superficie de este affaire, me interesa mucho la relación entre justicia y arte, pues sobre el lugar de lo negro en el arte y en este caso del mestizaje, que es donde se sitúa la obra Ariza, hay artistas locales que lo hacen de manera magistral

 ¿Cómo y cuando la justicia media en el arte? ¿Cuáles son los límites del arte y del artista? ¿Existe impunidad en el arte? ¿El artista y su obra estarían en una especie de no lugar donde las leyes de la justicia no les tocan? ¿El artista es alguien que puede hacer lo que quiera escapando a las leyes que rigen nuestra sociedad? Preguntas como estas, sin apresurarnos a responderlas, pues merecen ser pensadas a profundidad, son las que se deben tener en cuenta en momentos donde los artistas no deben ignorar para nada las leyes y sobre todo en un momento donde la justicia tiende a regular lo que antes parecía libre de toda reprimenda: el arte.
  
Los familiares de Ariza, se sintieron vulnerados en su intimidad al ser mostrados como personajes racistas e interpusieron una demanda que fue fallada a su favor. La artista de manera autobiográfica muestra en un acto auto-terapéutico, su historia matizada en país donde el racismo es imperante. De todas maneras una vez más, el acto del juez, no se si llamarlo censura, ha logrado algo que sin querer todo artista desea: que hablen de él, mal o bien, pero que hablen. Esta es una obra que no pasa desapercibida. Si vemos el asunto sin apasionamientos, la justicia una vez más asume posturas curatoriales (decide que se debe mostrar y que no) y emite juicios de valor éticos y estéticos (esto también lo hace el crítico de arte), que terminan validando o eliminando una obra de arte. Margartia Ariza, insiste que este no es su proposito y que en realidad, más allá del escándalo judicial, ella se siente vulnerada en su libertad pues su obra por sentencia de una juez es mulitada y silenciada.     

  Los demandantes, como parte del público que ve la obra, asumiendo su derecho de víctima, terminan interponiendo su veto sobre la obra. La artista sintiéndose victima al ser violados, según ella, sus derechos a la libertad de expresión, también apela de una u otra manera a la justicia, sin tener por el momento apoyo. Sin pretender ser abogado del diablo, si puedo concluir diciendo que el arte y los artistas y el mundo del arte en general (espacios de discusión, agentes del arte, etc) no pueden pasar impunes frente a las leyes que rigen nuestra sociedad y los jueces deberían empaparse un poquito más de asuntos del arte. Este asunto del juicio de la obra de Margarita Ariza, al igual que el caso Tania Bruguera entre otros, nos deja a los críticos de arte, cuando somos suplantados por el juez penal, sin piso para evaluar estética y críticamente la obra de arte, que en suma es lo que nos debería importar. Lo que queda es una vez más el escándalo, cosa que en últimas visibiliza aún más al artista e invisibiliza deja de lado los verdaderos valores estéticos y artísticos de la obra, que vuelvo e insisto son los que nos deben importar. Mientras nosotros seguimos enfrascados en este affaire, una excelente exposición en el mismo espacio donde se encuentra Blanco Porcelana, ha pasado completamente desapercibida: la del artista Edgar Cortés que merecerá más adelante un vistazo crítico. 

Ricardo Arcos-Palma. Bogotá 6 de mayo del 2012.

Lo negro y el racismo en Colombia: 

Bodies o la comercialización de la muerte: 

Censuran exposición Blanco Porcelana en Velenzuela:

El caso Goya: 

El caso Tania Bruguera: 

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Los cumpleaños no siempre son dignos de celebrarse, pero el proyecto de Vistazos Críticos Audiovisuales cumple ya siete años de existen...